圖商杯

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那天看完電影颱風還沒走下雨去隔壁的漢堡王坐下來聊天，鳥獸散後發現忘記上廁所
又回去上廁所的地下室狀況


去買晚餐 說掃QrCode可以打95折 但要加入會員 覺得很麻煩 還是耐著性子寫完 同時想著自己為何 為了省幾十塊 浪費了時間  （直接畫單不就好了）

卻像是意外啟動另一個問題意識 感

世界並非照著自我所啟動的開放性下的 自我幽閉感

想起

年紀漸長 越來越感受到 某些時侯 話題 過於深入 的不合時宜，（例如 聊著剛看完的電影） 即使是很有默契的老朋友，

意識到 這些 沒有任何意義 （好吧，或許還有些許的意義） 於是「資訊」的部分 反而成了排解對話空白的有效性 

就像年輕覺得上班工作 當社畜 很浪費時間 

後來發現 有工作打發時間就很棒了  還有錢賺 

工作結束還有讓自己放縱的時刻 跟 理由


意識到老了不肯死去 怕死 撐著

身體印證 無時間的無聊 與 時間的衰老 的 對立 矛盾


發表在 疏離的網路社群倒成了目前唯一方式

不是互動

而相反是一種 假裝開放的 私密 日記 告解

印證 最終 只有自己的 世界


而所謂

藝術的合法性 

合法  講著一些社會大部份人都聽不懂的單純之地


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《牛來》Niu Lai

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還蠻屌的耶，拍謝，看YT上翻拍的。 並非反串，而是看到如此誤打誤撞的返璞歸真，撇除台獨的政治立場，就動畫美學來說，並非是帶有瞧不起「看好戲」嘲諷來看中國躺平解壓的「醜美學」。 雖然非純藝術作品，沒有任何論述與背後理念立場支撐，而是門外漢自學土炮跨界製作，一人製作的fu除了想到台灣藝術家張立人的某種台灣之光的樸實，與剛好之前去韓國時展覽認識一位中國也是一人製作的藝術家兼動畫導演。同時想到大學畢業時的畢業製作的同學，反而是最混的上課不認真的做出看似劣質動畫，因為沒有遵守製作動畫片的標準和規則，迸發難能可貴的靈光。 牛．來，此台詞（註1）成為片名頗為幽默。故事描述，小牛的成長歷程，看似有點八股的故事，敘事上用了「牛成為人」站立起來的夢境，運用同樣頗為好笑的動畫技術，像是在上3D軟體課時作的教學練習（tutorial），那樣陽春，簡單甚至有點逼機感，電影像是網路上tutorial練習動畫軟體的場面，而非專業繁複的製作技術。例如，背景的幾棵僵硬的樹，又例如：電影中跳過河流情節，像是只是利用了最簡單的物件位移等等，各種技術的不足卻意外揭開了動畫本身強加的特效幻覺，才發現原來不需要那麼多聲光效果就可以說一件故事，還特別的白痴。同時十分逼機的動作，搭配像是農夫的中國民俗對白，音畫之間頗具效果，還不時說一些因為技術不足角色表情受限與尷尬的冷笑話。 還需要搬出如art house南韓名導洪常秀，常見以陽春的攝影機，超低預算呈現某種反敘事，反技術性的素人笨拙感嗎？或者同時想到了台灣的《女孩白日夢》像是有些模仿洪常秀，但過於刻意，完全笑不出來，像是電影學院學生菁英式的仿製失敗，卻意外說出，到底才華的這件事情對於他們（學生、素人）來說是甚麼，與庸才難道不能拍電影的勇敢，連結了世代梗圖「我就爛」（註2）巧合地與《牛來》中國內卷的共感。 只是反菁英式，對於當代過多趨於太精緻影像同時AI浪潮的過度生成，《牛來》的意外賣座只是一種政治性的反向操作，以B級cult film獵奇感意外竄起？又或者，《牛來》只是想說好一個故事，關於愛與勇氣，一介平民簡單想望，與夢想，呈現如此「平等」，意外與此「牛的勵志故事」的內核相互呼應，在這個當代不斷裂解又聚合的社群中，不斷有品味高低，內行外行的世界之中。 （註1） 此動畫由導演與母親共同製作，而主角剛出身，母親配音對白，一開始的「來」（come）不只是主角名字，而是...
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《女孩白日夢》- 沒有才華，但還是想拍電影

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尷尬的對白，勉強硬著頭皮看完像是文藝版《台北物語》。4:3畫面比例，黑白攝影，以為模仿南韓導演洪尚秀，發現只是形式相似，沒有洪式的練肖話，像是 《在水中》 的「我喜歡喝可樂 ，一天可以喝一整瓶。」 那種不好笑的好笑 。而是《女孩白日夢》過於刻意，完全笑不出來、唐突、尷尬的情節、台詞。 從泰山工作室一如往常騎單車回家經過塭仔圳重劃區黑暗的荒涼廢墟與市政府許諾人民美好的未來，想著電影中的庸才與日常。 《女孩白日夢》主角家境小康，衣食無虞，只要把小說寫好就好。問題是「不經一番寒徹骨，焉得梅花撲鼻香」（老梗） 或「超驗尼采」：「凡殺不死我的，必使我更強大」，然而尼采的「超人」對應著電影中平庸的人，與不是滿街都是（一般人）？不然想怎樣（註1），沒有才華，是不能拍電影喔。 一切沒有什麼好說的，想到之前去復興商工兼課，往往發現原本想要藉由讓學生欣賞白癡影片去激發同學發揮白癡的創意用在自己製作影片上面，卻發現自己正在面對的世界，就是白癡影片本身，後面沒有任何東西了。（註2） 當時正流行，我就廢，我就爛的梗圖。 那天看完哈都裘德的《世界末日又怎樣》，坐捷運的時候在車廂看到五六十歲「大哥」大辣辣滑著美女現實動態，走路回家時突然想到電影中那種羅馬尼亞感，不就是如同台灣，如同政治，如同人民，好的一面當然有，也想到了「我就爛」的驕傲感（註3）。 想到簡子傑曾經策劃一個展覽「抬頭一看，生活裡沒有任何美好的事」。而《女孩白日夢》就像是「看完電影，沒有任何事情會發生」。電影本身到底是正評還是負評不好說阿，但想著這樣《女孩白日夢》給當下的啓發性，正是那種「有╱無才華不過就是如此阿...」，那種連帶對生活與世界的虛無帶來的某種尼采式肯定的，沒有任何敵人的….療癒感。 （註1） 此說法情境符合近期心情。 去領錢，看著存款越來越少的時侯，對河道上藝術理想越來越冷感，之前那些說著要用自己的藝術方式存活也逐漸地動搖。內心油然而生藝術做為金錢遊戲的本質，藝術像是直銷公司明白為什麼大多繼續存活的藝術家只能去當老師地持續孕育、鼓勵著年輕藝術家們未來成為百分之一、千分之一飛上枝頭的藍鑽級藝術明星。而自己終究成為一個現實的虛無主義者，昨天阿朝柏傳訊息給我說他在化成路吃飯，突然覺得化成路代表的小小工業區好親切，就像是自己甩不掉的印記與最終歸處，這麽說來像是沒有任何遺憾，也沒有什麼好說了。 （註2） 擷取筆者舊文，連結如...
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奇幻金馬幾部

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異形奇花（little shop of horrors) 不能說是「徹底」看透異形奇花的文化指涉歷史淵源，但我想我的會心一笑是來自於某種「台灣經驗」：一個「傳說中」80年代的文化殖民史如何在後千囍年中彰顯一種後設性和地方性的聯想。 語言轉譯的可能性？倒不是把【異形奇花】的百老匯歌舞可能變成歌仔戲或是布袋戲人偶，或是把恐怖類型替換變成功夫片。而是角色和種族，不管如何，一種可預測的觀看模式啟動，早已像是八點等連續劇等著看好戲（一種無關驚喜，而是期待出糗的娛樂)，是因為還有在地口白（當然【異形奇花】還有歌舞)的期待：從門可羅雀到門庭若市（如食神)，發好人卡的阿宅（主角)，欲拒還迎的蒼白波霸，暴力的牙醫像是美國布希，還有最重要黑人口音的吃人花所聯想到麥克傑克遜的異形奇變R&B的音樂、流行金曲的告示牌榜單在在都符合用美國的價值確認「外在世界」無誤。 有一天 看「有一天」的思考脈絡一開始是假設，假設一個用記憶、夢境交織的後設+結構+時間性概念電影如果拍成90分鐘長片是不是非常危險？：在如此「實驗」但又必須讓「大多數」的人看得懂電影在幹什麼的情況之下，是不是就無法期待結尾（甚至是在60幾分鐘後開始)能有更多驚奇的事情發生，而只好開始對那些破壞留白的交帶清楚大嘆可惜，或是又開始依循傳統劇情片的路數做情感上的填補不已為然。 但想想葛斯范桑的「大象」和「迷幻公園」都可以把「實驗」性拍得如此「完整」了；甚至用對照的方式，葛斯范桑的美國觀點，而「有一天」又透露出了什麼樣的「外在」觀點呢？看到片子中間報紙報導有阿根廷人發生船難獲救，那樣子的平行宇宙有稍微驚喜一下，或許尋求「外援」是一個解套的方式；但正如同我QA發問導演的回答，就是想要加深生死兩極卻又像是隔壁，而如此推論出「天長地久v.s曾經擁有」的某種戲劇邏輯上的「結論」（就是在一起會死；不在一起不會死這類的問題)。照這麼說起來，我一開始用後設+結構+時間性概念電影來假設作者的思考根本就是錯的。 天師抓妖（Dance of the Vampires) 這部片實在讓我驚喜，最根本是說一開始歐洲內陸的雪地已經非常好的地理、溫度、還有濕度（水氣)的選擇了；凍僵、冒煙的熱水、殘破小旅館裡面居然會讓覺得裡面好溫暖，冷熱的物理作用、感同身受的身體性傳達是連帶從小旅館加蓋到吸血鬼城堡的重要關鍵，鬼的蒼白與冷血（好像只...
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